Les artistes contemporains soumettent des œuvres chargées d’associations personnelles à des processus impersonnels ou répétitifs.

Cette exposition présente le travail récent de quatre artistes qui créent des séries d'objets d'une manière qui suggère la chaîne de production. Les œuvres d’art individuelles apparaissent ici comme de simples parties d’un tout plus vaste, leur singularité obscurcie par l’impact du processus ou du système répétitif qui les englobe. Ce qui compte semble être le passage des choses à travers différents états, comme si la création artistique était une question de transmutation plutôt que de création. Ce mouvement à travers une « chaîne de montage » peut brûler, obscurcir, figer, animer et multiplier ce qui était autrefois chargé de mémoire, d'individualité et de poids.

Peintre Stephen B. MacInnis enregistre l’impact de multiples pressions sur l’acte de création dans son Longue série, 1000 1 peintures de 1 pied sur 100.00 pied, chacune évaluée, de manière quelque peu fantaisiste, à exactement XNUMX $. L’œuvre a été créée sur deux ans grâce à une méthode intégrant des questions pragmatiques, économiques et conceptuelles. Père de jeunes enfants, MacInnis ne trouvait plus possible de peindre avec sa manière concentrée habituelle. Au lieu de cela, il a brisé ses différentes techniques de création de marques et a soumis son travail à un cycle de production impliquant une création globale à long terme et un abandon du contrôle et de la concentration que nous associons à l'artiste visuel. Dans cette installation, la réception est également ouvertement régie par des systèmes et des cadres externes, comme les unités individuelles du Longue sériese révèlent très différents lorsqu'ils sont présentés en piles, dans leurs boîtes de rangement, encadrés ou non.

Ruth Marais recueille les abeilles mortes et contemple le sort de chacune d'elles, demandant à la personne qui lui a donné le petit insecte comment elle pense qu'il est mort. Le désir – de connexion au monde des insectes ou à un individu perdu – s’incarne et se concrétise dans l’acte de préservation ; chaque abeille est une « copie infidèle », résultat d’un minutieux effort de reconstruction et d’ornementation. Les pièces manquantes sont soigneusement remplacées par des pièces de bijoux, du fil, du velours doux, des résistances électriques et divers matériaux mis au rebut. Les produits finis, présentés dans des cloches, suggèrent à la fois des reliques sacrées et des spécimens didactiques.

Sculpteur Sarah Saunders plonge les textiles de coton dans de la porcelaine liquide, puis les cuit dans un processus qui entraîne la désintégration de l'artefact original, souvent très chargé, laissant une coque poreuse. Dans une pratique parallèle, elle a créé des scans à l'échelle anthropomorphique de cuillères en argent que lui a laissées sa mère. Les objets de mémoire et d'intimité sont transformés en groupements dotés d'une direction et d'une vie nouvelles et collectives, bien que l'individualité de chaque objet demeure dans les détails de sa structuration et des preuves de son utilisation.

Aaron Weldon prend des images photographiques trouvées, bien que très personnelles, et les réfracte à travers divers systèmes de reproduction et de circulation, allant de la repeinture à l'engagement sur le marché touristique en adoptant le format de « l'art du bois flotté » et à la documentation des réponses au-delà des divisions géographiques et temporelles. . Son installation explore les questions socioculturelles et économiques de la valeur de l'image, ainsi que sa place dans les cadres expérientiels incarnés dans l'exposition d'art.

Pan Wendt, conservateur

Aaron Weldon

Stephen MacInnis

Ruth Marais